https://drive.google.com/file/d/1mYXVgvUlOcn2quRsIqCS06mDRlWyudY3/view?usp=drivesdk 

Bioarte, un híbrido contemporáneo. Por Ave

Históricamente los seres híbridos han sido menospreciados en la mitología, literatura o incluso en la vida real. Cuando alguien padecía deformaciones era marginado y escondido por su familia. Cualquier factor que se desviara de lo conocido como normalidad quedaba relegado a la categoría de “monstruoso”. Laura Benítez. Bioarte. La vida como material. Dentro de los referentes que he revisado a lo largo de casi dos décadas de trabajo artístico, voy a citar a dos artistas venezolanas. Una de ellas Nan González (1956, Caracas), artista conceptual reconocida por sus ambientaciones sonoras y videoinstalaciones con temática ecológica, su performance Hombre y sal, de la serie Simbolismo de la Cristalización, realizado a dúo con Yeni, llevada a cabo en las salinas de Araya, muestra un interés hacia los ciclos de la vida -nacimientos y transfiguraciones-, la identidad personal, el espacio individual y compartido; trabajando con los elementos naturales; en las acciones Autológica del Agua / Autológica del aire (1980), Integraciones en Agua (1981-1982), y finalmente Transfiguración Elemento Tierra (1983), donde con sus cuerpos asumen el papel del Fuego, lo que completaría la representación de todos los elementos de la naturaleza, incluyen el elemento tecnológico. Sus más recientes trabajos se inclinan hacia el arte de la tierra o land art y la ecología. Nela Ochoa (1953, Caracas), artista plástico y bailarina, quién desde los ochenta desarrolla su obra dentro de los llamados “nuevos lenguajes” con instalaciones, videos y performances, cuya preocupación fundamental es el cuerpo como territorio desde la óptica de la medicina y la biología; desde los años 90 investiga sobre la genética .Esta artista ha explorado una y otra vez el universo de los códigos genéticos y los misterios del cuerpo humano, reproduciendo secuencias genéticas de especies en peligro de extinción o secuencias genéticas del cuerpo humano con objetos industrializados. Como en la obra Secuencia genética de la margarita con flores de seda y en las obras de la exposición Empalago con cucharas plásticas. Zuleiva Vivas en el texto de la exposición Gen-ética escribe: …“las investigaciones acerca del cuerpo humano la ha llevado a realizar obras con resonancias magnéticas, ecografías y tomografías hasta llegar a la genética natural y artificial, sus aplicaciones y usos. Las cadenas de ADN le dejan asombrada por su capacidad de movimiento e interconexión en el espacio. A cada paso le surgen nuevos interrogantes ¿lo estaremos haciendo bien?, ¿dónde se separa lo artificial de lo humano?. Si la especie optó por la inteligencia, ¿no será que todo no es más que otro orden natural mayor?, las últimas palabras de un cuento de Borges retumban en su pensamiento: “Con alivio, con humillación, con terror, comprendió que él también era una apariencia, que otro estaba soñándolo”. Y como uno de los referentes más recientes e internacional he revisado el trabajo de Eduardo Kac (1962, Río de Janeiro – Brasil), quien inicia su carrera artística con performances y media art, pasando por la robótica, el arte electrónico, la poesía digital y aromática, cuya obra más famosa y controvertida ha sido el proyecto Alba en el año 2000. Mis líneas de trabajo han estado oscilando entre esas dos vertientes: la ecológica y la de la manipulación genética, en esta oportunidad trataré de hacerles un recorrido por las obras que implican al bioarte, término acuñado por Eduardo Kac en 1999 durante un festival de ars electronic y los cuestionamientos que se han suscitado a partir de este concepto cuyo objetivo principal era borrar esa línea que separaba la ciencia del arte o por lo menos difuminar ese borde. Aunque algunas de las características del bioarte no son para nada nuevas, como el usar “materia biológica”: tejidos, plantas, animales, materia orgánica o derivada de los seres vivos y que contiene carbono, fluidos corporales, entre otros, ya que estos materiales han estado presentes en las obras de muchos artistas a lo largo del tiempo, es importante señalar que ahora también los artistas están experimentando “cual científicos” con la biología, la biotecnología, las células madres o con la cirugía cosmética para sus propuestas, pero es aquí donde está lo crucial del tema: la sociedad no acepta o desconoce el trabajo de los artistas por considerar que no son científicos especialistas o trabajan fuera de un laboratorio, no se dan cuenta de que el compromiso es otro, y es aquí donde podemos hablar de que el bioarte como conjunto de prácticas híbridas permite al artista ser “mediador o facilitador entre el arte y el contexto social” donde puede hacer uso de la tecnología de su tiempo y es allí donde se evidencia el contexto histórico, social y político en el cual le ha tocado vivir. Andy Miah en su texto sobre el bioarte: actuación transhumana y posthumana, publicado en la revista digital Teknokultura, nos dice que la diferencia entre el arte transhumano es que promueve la transgresión de los límites biológicos mientras que el arte posthumano se centra en el escrutinio de las relaciones biopolíticas, y a su vez se mueven en el campo de la bioética, pero que los dos forman un todo llamado bioarte. Leeré parte de la campaña publicitaria de: GloFish, el pez que brilla. El primer animal modificado genéticamente para ser vendido como mascota. "Lleva el milagro de la ciencia a tu acuario y posee el más caliente, el más hablado, el más hermoso de los peces. Los peces fluorescentes GloFish® llevan color y diversión a cualquier acuario, en tu hogar, en tu oficina, en tu salón de clases. Nuestros peces están disponibles en tres asombrosos colores: Rojo Estrella de Fuego, Verde Eléctrico y Naranja Explosión de Sol. Si usted ya tiene el GloFish ® pez fluorescente y simplemente piensa que es muy cool, hay tantas cosas que aprender acerca de Ellos: son una gran herramienta educativa para los niños. También ofrecen una forma interactiva de diversión y de inspirar el amor por la ciencia en el país y en el aula." El GloFish (creado en 1999) es el resultado de introducir una proteína fluorescente de medusa en el genoma del pez cebra. Esto causa que el pez brille ante la luz blanca o ultravioleta. Luego vinieron las variedades de color y más especies de peces, el "Rojo Estrella de Fuego" -por ejemplo- es el producto de un gen de coral introducido en el genoma del pez. Actualmente hay más colores como el azul cósmico, el violeta galáctico o el luna rosada. Eduardo Kac nos habla acerca de su obra “Conejita PVF” proteína verde fluorescente (o GFP, por sus siglas en inglés, green fluorescent protein), después de pensar que lo que hacen muchos de los artistas es desorganizar la biología, rechaza el término bioarte y decide llamarlo “arte transgénico” que es otra vía de expresión estética pero transgénica: …“como artista transgénico, no estoy interesado en la creación de objetos genéticos, sino en la invención de sujetos sociales transgénicos. La palabra "estética", en el contexto del arte transgénico, debe ser entendida como aquella que significa creación, socialización, e integración doméstica en un solo proceso. El arte transgénico no procura moderar, minar, o arbitrar la discusión pública. Intenta abrir una nueva perspectiva que ofrezca ambigüedad y sutileza donde generalmente solo encontramos polaridad afirmativa ("a favor") y negativa ("en contra"). La obra "GFP Bunny" destaca el hecho de que los animales transgénicos son criaturas normales que forman parte de la vida social tanto como cualquier otra forma de vida, y es por eso que merecen tanto amor y cuidado como cualquier otro animal”. Ya muchos primates, ratones, etc, han sido genéticamente modificados utilizando esta PVF con la finalidad de ayudar en investigaciones sobre enfermedades humanas, para curar o para mejorar las condiciones de vida de los hombres, es decir que la ciencia “ha sido iluminada” y en 1998 ya sus tres descubridores habían obtenido el premio Nóbel de química por el desarrollo de esta proteína que sirve para marcar las células. Pero aún no se ha probado en seres humanos. Desde el 96 he trabajado con el arte transgénico, voy a hablarle de algunos casos como la instalación “Niñitos” ubicada en la Biblioteca de la ULA Táchira que consistía en un carrete de madera donde habían enrollados muchos metros de tiras de bebés plásticos, y que fue desmantelada por uno de los trabajadores de esa casa de estudios por total desconocimiento del tema. En 1999 realicé una acción en Maracay Perforart denominada “Umbilical” que daba como resultado una instalación, donde planteaba una barriga artificial de embarazada que contenía más de doce metros de cordón umbilical con bebés plásticos anudados, después de desprenderme de ella y engancharla junto al vestido iba marcando a cada espectador con un número de un sello húmedo sobre un pañito también húmedo usado para limpiar bebés; en ningún momento pretendía engancharme en un debate sobre las ventajas o desventajas de la ingeniería genética, pero recuerdo que muchos de los presentes se me acercaron a decirme sus opiniones sobre el tema, otros me dijeron que nunca habían escuchado al respecto y que por favor les explicara y algunos me dijeron que eso de “clonar seres humanos” les daba miedo. En el 2004 estaba investigando sobre los alimentos transgénicos (organismos a los que se les ha introducido un gen extraño) cuando una vecina me pidió que fotografiara su bebé con todas las latas de leche que había consumido desde su nacimiento hasta que cumplió un año, terminó regalándomelas porque las iba a botar, al revisarlas leí con asombro que contenían ingredientes genéticamente modificados y su mamá desconocía totalmente el tema. Siguiendo con el lema de los alimentos transgénicos “acabar con el hambre en la tierra” realicé otras obras entre ellas 2 piezas: “Campesinas transgénicas” y Etiquetas para la leche condenada “La vaca salada” con INS, que formaron parte de los productos vendidos en una bodega intervenida por un colectivo de artistas en la 9na. Velada de Santa Lucía en Maracaibo. Y el debate de las ventajas y desventajas sobre el uso y el abuso de la ingeniería genética se hizo más palpable, la gente comentaba sobre la pérdida de información propia, la pérdida de la biodiversidad, de que si lo que buscaban era salvar el hambre… de las empresas, refiriéndose a compañías que se dedican a esto, que si había algo de cierto de que etiquetaban alimentos con información falsa, de que en los productos para niños los genes acababan con las vitaminas para luego poder vender otros productos farmacéuticos, que si nos inyectaban virus y alergias, que si nos hacíamos inmunes a los antibióticos, que conocían de una demanda por registro y patente de semillas… y paremos de contar. Peter Sloterdijk, en su texto El hombre operable, notas sobre el estado ético de la tecnología génica; dice: Cuando Dolly bala, A lo sumo sus productores piensan en sí mismos y lo hacen bajo la forma de patentes. Hablando de Dolly (1996-2003), el clon más famoso del mundo, el primer animal clonado a partir de una célula adulta, el intento 277 nacido vivo de 276 intentos fallidos, la especie clonada que redujo su expectativa de vida a menos de la mitad, que sufrió de artritis degenerativa, de problemas pulmonares y tumores, que recibió una gran difusión en todos los medios de comunicación, que vivió en un laboratorio, que fue muy fotografiada, sacrificada y cuyos restos disecados se encuentran en un museo de Escocia, y quien resucita en el arte transgénico y permite que se cuestione la intervención humana en la creación ha sido un símbolo recurrente en mi trabajo. Como el caso de “276 intentos fallidos y Bonnie”, obra realizada después de que los medios anunciaran al mundo la buena nueva de que Dolly era madre luego de haberse apareado “naturalmente” y mostrar que la cría era normal y saludable. Ya Dolly y los pastizales transgénicos forman parte de nuestro paisaje y como artistas podemos contribuir estéticamente y mostrar nuestra dimensión sobre la tierra. Los nuevos Frankenstein u organismos que han sido producidos utilizando técnicas de ingeniería genética, también conocida como modificación o manipulación genética son parte de esa búsqueda del ser humano sobre el origen de la existencia de los seres vivos en la tierra y su inexorable certeza a la desaparición o a la muerte; y en esta “cuenta regresiva de la diversidad biológica”, teniendo en cuenta que anteriormente las tasas de extinción de especies era de miles de años y ahora los lapsos han disminuido velozmente, la creación de nuevas especies, vegetales o animales a través de métodos “no-naturales” le permiten al hombre “jugar a ser Dios” y como dijo James Watson (uno de los descubridores de la estructura de ADN en 1953, “el destino ya no está escrito en las estrellas, está escrito en nuestros genes” las posibilidades son muchas, ya abrimos el regalo… ahora leamos muy bien las instrucciones.

Páginas revisadas: Eduardo Kac, www.ekac.org y http://www.glofish.com/ INS: INTERNATIONAL NUMBERING SYSTEM. Se trata de un sistema internacional de codificación sobre Aditivos y Contaminantes Alimentarios (FAO/OMS). FAO: Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación (FAO, siglas de Food and Agriculture Organization) OMS: Organizacion Mundial de la Salud

El vacío y la devoración

Como dijo Sol LeWitt, (artista minimalista y conceptual de origen norteamericano) “Los artistas son místicos más que racionalistas. Ellos llegan a conclusiones que la lógica no puede alcanzar”; refiriéndose directamente a los artistas conceptuales. Una de las propuestas de Bordes, fundación cultural dedicada a la investigación, formación, promoción y desarrollo de las artes, ubicada en el estado Táchira, frontera de Venezuela con Colombia, es integrar las visiones y los sentires de diferentes especialistas con los artistas; y es allí donde entro en el grupo de investigación y en esta ocasión siento muy identificado mi trabajo artístico de casi dos décadas con la temática del Seminario “Vacío y devoración”. Vacío: En la parte bidimensional o pintura me toca por eso de trabajar el blanco, cuya simbología está relacionada directamente con el vacío, empezando con un lienzo limpio que no se llena en su totalidad con pigmentos claros ya sean de zinc o de titanio, con veladuras de pintura de tráfico, masillas, yeso, pego o cualquier otro mateante, siempre dejando ver trozos de tela o de esa nada a la que nos exponemos los artistas antes de empezar a hacer la obra, caso de las obras La fuente y descampado 2005, Propensión a la intromisión – sumisión 2010 y Errores de transcripción 2012; traigo a colación el caso ex professo de Blanco sobre blanco, la gran obra de Malévich, donde sin la representación objetual expresa la supremacía de la nada haciendo visible lo invisible y que es referente fundamental del arte contemporáneo; también me interesa trabajar con eso invisible, con ese vacío como búsqueda espiritual y es donde el silencio inunda y/o envuelve con materia (algodón, lana virgen o fibras vegetales) un marco (casi siempre de pequeño formato), creando dibujos abstractos, que son dispuestos en grandes paredes blancas tendiendo a fundirse en ellas o casi perdiéndose dado a lo tenue de los colores y sus dimensiones, caso de la exposición Flora y Fauna del 2010; quizá sea muy pertinente mencionar aquí a Klein cuando en el 58 realizó una exposición con la sala vacía (sin pinturas o esculturas) donde el vacío como fin estético era la materia prima de esta no-instalación; también es muy apropiado resaltar el referente de LeWitt quien en el 64 realizó una serie de objetos blancos de gran simplicidad visual, cubos presentados como formas abiertas, desprovistos de caras laterales, solo la estructura o marcos que fijados en la pared o expuestos libremente en la sala permitían ver a través de ellos; esos esqueletos blancos, fantasmales, daban esa sensación de vacío, figuras con aires de inmaterialidad que hacían que los espacios interior y exterior se fundieran. Devoración: Dentro de las series que he desarrollado una tiene que ver con el vestuario infantil y las implicaciones devoradoras de la moda sobre la sociedad específicamente sobre los padres, caso de la instalación Pon del 2001; seguidamente pasé a trabajar sobre el tema científico y los grandes símbolos del siglo XX. Uno: la llamada revolución genética, el lenguaje de la vida con el descubrimiento más importante: la estructura de doble hélice del ADN, la secuencia del genoma humano, una promesa para descifrar el mapa de la herencia biológica de las personas y Dolly, la oveja clonada, donde los científicos plantean las bondades de la clonación terapéutica olvidándose de las implicaciones éticas, planteo así la devoración social y espiritual mutante utilizando los conocidos símbolos del lobo y la oveja dentro de una urdimbre donde “el miedo” juega un papel importante, con toda la simbología del lobo, animal asociado con lo negativo, con la voracidad, y la oveja y el cordero asociados a la mansedumbre, al rebaño, a las masas o colectivos que se dejan manejar o dirigir sin manifestar su opinión, gustos o actos; caso de la instalación Dollyentes 2004, 37, Rebaños sin fuerza o almorcemos juntos, Ungulados para el desayuno, Incomunicados entre si pero comunicados a través del miedo, todas estas del 2009; aunado a la sobredosis de información y un discurso deslocalizado, amplificado, manipulado por los medios de comunicación globalizados, lleno de dicotomías (lo blanco - lo negro, lo bueno - lo malo, el lobo - la oveja) y la aspiración a conciliar los opuestos; de allí que plantee una serie de instalaciones con siluetas de estos animales recortadas de periódicos; específicamente de las noticias feas o de la sección de sucesos con otros elementos que nos cuestionan si somos devoradores o si estamos siendo devorados, caso de las instalaciones Impronta de los cazadores 2011 y A la luz del conocimiento 2012. Dos: la ecología al hacer consciente los abusos cometidos sobre el planeta, el fin de algunas especies y los peligros anunciados hago una reflexión a través de piezas bi y tridimensionales donde las materias que utilizo son el aserrín como remanente de los árboles y el plástico como material indispensable dentro de la cadena de producción industrial capitalista, ambas enmarcadas en la conocida sociedad de consumo, todos símbolos de la edad posmoderna donde se nos consume la vida aunada a la creciente masificación de los medios de comunicación recordándonos a veces y borrándonos en otras oportunidades como hemos tratado la gran casa y que para llenar todos esos vacíos que vamos dejando tendremos solo residuos, caso de la instalación Capullos macrobióticos para el alma 2006, y piezas como Estrangulados 2010 y La mesa está servida 2012 . Y es asi como reconozco que el vacío y la devoración son temas que tocan mi obra y tocan la de muchos artistas, ya que son temas cruciales para el arte contemporáneo.

Especies - 4ta. edición Festival Bocanada 2010

En esta acción de corte ecológico la artista toma la calle, cual buhonera o vendedora informal y propone un cambio a los transeúntes: un poco de aserrín encapsulado como recuerdo de otros habitantes vegetales de ayer, por un dibujo de un arbol, que será expuesto a la vista de todos (colgando de una cuerda como son exhibidos los productos en la calle) con la finalidad de crear un nuevo bosque, cual metáfora de esa desnaturalización propia de los seres humanos. Cada bolsita de aserrín lleva impreso un texto sobre la deforestación.

Por favor… Dibújame un Cordero. Festival Bocanada. Galería La Otra Banda, Mérida - 2004

Con la participación activa del público presente propuse un juego que tuviera que ver con mi obra de arte que estaba participando en la colectiva del Festival Bocanada; el juego era el de “La Gallinita Ciega”. Los elementos eran 5: un pañuelo amarillo para vendar los ojos de los participantes, cajas amarillas seriadas con un animal de plástico adentro, unos escapularios amarillos seriados, un corral de madera para colocar las cajas y una cámara fotográfica para registrar el evento. Seguro todos saben como se juega (al jugador se le vendan los ojos, se le dan algunas vueltas para que se desoriente, y se le dan algunas pistas para que llegue a un punto y deje allí el objeto), al finalizar la participación les preguntaba ¿qué animal creían que había en la caja? y todos me respondieron que un pollito. Quizá todos relacionemos el amarillo con los pollitos.

RITO COMPARTIDO - Rabo'emono 4ta. Edición - Dirección de Cultura del Estado Táchira - San Cristóbal 2004

Video Performance, AVE realiza un ritual de purificación en un espacio privado, utiliza para la limpieza Jabón de Tierra y agua de mar, mientras se depila, se lava y se enjabona va recitando un poema de Ernesto Román Orozco (poeta nacido en el Estado Zulia pero que vive en San Cristóbal - Estado Táchira); luego en señal de ofrecimiento expone unas flores de Frailejones que la acompañaron durante la acción.

(del libro La costumbre de ser sombra

de Ernesto Román Orozco)

dejo arcilla

en lugares donde me abandono

saco madera de los pájaros

http://www.youtube.com/watch?v=56ZnXouSuh8

N.S.S. Rabo'emono 3era. Edición - Ateneo del Táchira - San Cristóbal 2002

Dentro de la exposición individual "100 urnitas, tres cositas y la bendición" de AVE la artista realizó una acción silenciosa de larga duración que consistía en envolver en tela de tul una hostia que en vez de darla en la boca como se acostumbra en el ritual cristiano, se regalaba en la mano a cada persona que entrara a la sala; la cantidad era de 99 hostias pensando que entraran ese número de personas a la muestra, pero dado a que fue miníma la participación del público las hostias se volvieron a colocar dentro de las urnitas que estaban expuestas.